Formación > Mecánicas Inmersivas 2
Viernes 4, sábado 5 y domingo 6 de abril, 15 a 20 h
Escuela Superior de Música, Salón 222
Entrada libre
Programa de mano
Organiza: Gonzalo T. Alonso (Laboratorio de Audio CMM) y Carole Chargueron (Taller de Electroacústica de la Escuela Superior de Música)
Participan: Marianne Teixido, Juan Cáceres Avitia, Nonis Prado Marcado, Aidé Aspicit y Michel Soto, André Serre-Milan, Michel Pascal, Mauricio Valdés San Emeterio, Jorge Martínez Valderrama, Gerónimo Robles, Lucas Barroso, Esteban Chapela, Elliot Hernández, Ricardo Cortés, Aarón Escobar, Julie Mansion-Vaquié, Juan Pampin, Fernando Lopez-Lezcano, Sofía Matus Cancino, Alonso Huerta, Aleida Pérez, Alejandro Heredia, Augusto Zamora Vázquez, Alejandro Ramírez, Cristian Hidalgo, Pablo Silva, Scott Wilson y Anne Parouty, Pierre Alexandre Tremblay, Mario Mary, Antonio Russek, Valeria Jonard, Hugo Morales Murguia y Feliza Ruiz.
Mecánicas Inmersivas 2 es un ciclo de tres días dedicado al audio multicanal, en el que exploramos las posibilidades, retos y reflexiones propias de este medio a través de un total de seis actividades a realizarse en las instalaciones de la Escuela Superior de Música, donde también se montará un anillo octofónico.
Cada día, en las sesiones del Seminario Procesos y reflexiones en torno a la creación multicanal, artistas sonoros con trayectorias diversas nos compartirán las exploraciones, cuestionamientos y reflexiones derivadas de su quehacer artístico personal, con el objetivo de acercar al público a la comprensión del tiempo y espacio que habita la creación de experiencias inmersivas.
Posteriormente se llevará a cabo un concierto curado por la compositora y titular del Taller de electroacústica de la Escuela Superior de Música, Carole Chargueron, en colaboración con el jefe del Laboratorio de Audio del Centro Multimedia, Gonzalo T. Alonso. En estos conciertos se presentarán diversos proyectos de audio multicanal, incluyendo piezas para ocho bocinas, piezas estéreo difundidas y piezas audiovisuales. Este ciclo de conciertos contará con estrenos mundiales, estrenos en México y actos en vivo.
Viernes 4 de abril
15 h. Seminario 1
Marianne Teixido: Synthnopsis. Exploración multicanal y síntesis vocal con agentes humanos y no humanos.
Juan Cáceres Avitia: Las 400 voces de Electric Birds. Espacialización y Transformación Sonora en la Música de Åke Parmerud.
Nonis Prado: Cromatofonía. Sonidos del suelo.
Aidé Aspicit: Sonido en 360°. Paisajes auditivos y la construcción de experiencias.
18 h. Concierto 1
(El programa no está en orden de aparición)
Synthnopsis
Marianne Teixido
8’00
Acusmática – 8, 2025.
Estreno.
Octofonía donde la voz se desdobla, se transfiere y reconfigura a través de mecanismos de aprendizaje de máquinas. En estos ocho canales se teje una polifonía en la que el timbre humano se funde con la síntesis, el texto se torna canto y el código devuelve otra corporalidad sonora.
Broix
Juan Cáceres Avitia
9’11
Acusmática – 4, 2023.
El título Broix surgió al fusionar las palabras francesas bruit (ruido) y voix (voz), con inspiración de la célebre frase atribuida a Victor Hugo: “Tout bruit écouté longtemps devient une voix” (todo ruido escuchado prolongadamente se convierte en una voz).
Esta obra explora la transformación sensible del sonido: aquello que inicialmente puede parecer ruido, adquiere cualidad expresiva y se convierte en una voz mediante una escucha intencionalmente musical. A través de un cuidadoso trabajo de texturas, dinámicas y timbres, Broix revela cómo el acto de escuchar resignifica lo sonoro, disolviendo los límites entre el caos y el sentido, entre lo incidental y lo intencional.
Cromatofonía
Nonis Prado Mercado
6’17
Acumática – 2, 2020.
Esta pieza toma como fuente un análisis cromatográfico del suelo de la Reserva de la Biósfera Sierra de Manantlán y traduce esta información en frecuencias para crear una propuesta sonora.
Alicia a través del display – Preludio.
Aidé Aspicit, Natalia Magaña, Suzanne Magaña, Michel Soto
10’00
Ópera Digital.
Ópera digital que fusiona sintetizadores, voces procesadas y animación por computadora para reimaginar el viaje de Alicia en un paisaje virtual.
De Rerum Natura
André Serre-Milan
8’00
Acusmática – 8, 2024.
Estreno en México.
a mi madre
Dos partes enlazadas: génesis y atomización.
El poema de Lucrecio, De Rerum Natura (sobre la naturaleza de las cosas) se construye mediante la atomización espacial y temporal de imágenes y energías tomadas de los sonidos de la naturaleza, de la que el ser humano forma parte.
Este gran «juego de la vida» genera una nueva forma que se recompone a través de la descomposición y recomposición de la fuente por síntesis granular, creando una pieza en varias escalas, transformaciones y escrituras perpetuas en relación con lo vivo.
Esta versión octofónica de De Rerum Natura propone un despliegue del sonido en el espacio de la proyección musical, siendo el oyente el que reconstituye la materia prima atomizada.
La pieza es un encargo de Art Zoid-studios.
Never Die
Michel Pascal
14’12
Acusmática – 8, 2015.
Estreno en México.
Never Die es uno de los nombres que recibe el árbol de Moringa, originario del sur del Himalaya. Plantado en suelos ricos o pobres, no se ve afectado por la sequía y crece rápidamente, ya sea sembrado o cortado. Llamado “árbol milagroso” por sus virtudes medicinales, también es capaz de purificar el agua contaminada, destruyendo entre el 90% y el 99% de las bacterias, por lo que podría ser un recurso precioso ante la inevitable guerra del agua, pronosticada para un futuro. El agua, en todos sus estados y a través de todo tipo de interacciones, tanto físicas como electrónicas, es el material central de Never Die. En particular, al transformar los sonidos emitidos por diversos instrumentos musicales, a veces de forma aérea (como con la flauta, el clarinete, el fagot y la trompa), a veces de forma percusiva (como en el piano o la percusión) o frotada, como con el contrabajo. Never Die recibió el encargo del gobierno francés para escribir una obra musical original.
“Considera una planta, admira un gran árbol, y ve con los ojos de tu mente que no es más que un río vertical que se vierte hacia el cielo. El agua fluye a través del árbol al encuentro de la luz. El agua construye ella misma a partir de unas sales de la tierra una forma enamorada del día. Se extiende hacia el universo con brazos fluidos y poderosos y manos ligeras”. Paul Valéry.
Desierto Sonoro
Mauricio Valdés San Emeterio
15’00
Acusmática – 8, 2022.
Esta composición está inspirada en la novela homónima de Valeria Luiselli. Emplea un enfoque acusmático para crear un teatro para los oídos. A diferencia de las narrativas tradicionales, que se basan en el texto, Desierto Sonoro emplea la voz como su principal línea narrativa, misma que, sin narrar la historia, se convierte en el objeto sonoro estructural.
Esta obra es parte de una serie que plantea la incorporación de la música acusmática al terreno del sonido inmersivo y multicanal. Producida para una sala de escucha en solitario, esta pieza ofrece una invitación de audición íntima para fomentar un ejercicio de cuestionamiento personal con el sonido, lo que permitiría experimentar las intrincadas relaciones de los “personajes” que además de su rol morfológico, también tienen el espacio como parámetro controlable y explorable.
Al integrar música de computadora, grabaciones de campo y elementos narrativos, Desierto Sonoro se funde en los límites entre las diferentes formas de arte sonoro. Las grabaciones de campo no son meros fondos pasivos, sino que son parte integral de la estructura narrativa, enriqueciendo la experiencia del oyente y aumentando el impacto emocional de la pieza. Cada elemento está cuidadosamente ubicado para guiar al público a través de un paisaje auditivo vívido que hace eco de las exploraciones temáticas de la escritura de Luiselli, centrándose principalmente en temas de viaje, desplazamiento e identidad.
Machinatio
Jorge Martínez Valderrama
7’58
Acusmática – 8, 2023.
Machinatio es un paisaje sonoro electroacústico creado en el programa de residencia artística Medienfrische en Tirol, Austria (2023) y forma parte de la obra acusmática Ignis Fatuus. Está compuesta por grabaciones de voces, máquinas industriales en desuso y herramientas de carpintería. Estos materiales sonoros se utilizan tanto inalterados como procesados digitalmente mediante edición, síntesis, efectos y otras técnicas de manipulación que modifican sus cualidades tímbricas. Los procesamientos buscan proyectar paisajes distópicos y pareidólicos que aturden la percepción.
Cada elemento sonoro contiene una inherencia específica, una historia y una memoria de la fuente registrada, su propio lugar y tiempo; esencia fundamental dentro de la obra. Los paisajes sonoros acarrean vestigios del tiempo y el espacio. La exploración, tanto de las grabaciones como del propio proceso creativo, provoca invariablemente una interiorización sensorial y emocional dentro de un sentido narrativo. De este modo, la obra busca proponer una experiencia estética basada en las relaciones metafóricas aurales, la memoria y la invención de mundos posibles. Este proyecto es una conexión para las comunidades: su proceso creativo transitó por rutas de acción social, a través del diálogo y la colaboración con las personas, su cotidianidad y su entorno.
Preludio al Sueño de Lemuria
Gerónimo Robles
5’21
Acusmática – 8, 2025.
Estreno Mundial.
Lemuria es, hipotéticamente, un continente perdido que existió en el océano Pacífico. Esta extensión de tierra albergó a la civilización lemuriana, conocida por tener una fuerte conexión con el entorno natural y un alto nivel de espiritualidad.
Esta obra juega con la mítica de esta civilización, retratando la convergencia de la tecnología y la ciencia (sonidos generados por síntesis) con la manipulación de muestras de audio (agua y gestos animales) dentro del imaginario sonoro.
Siendo el agua un símbolo de nuestro inconsciente, sustancia onírica, nos adentramos a la caverna para conectar con el estado meditativo que emula la consciencia de los árboles y hongos. Este nos transportará a un mundo remoto, que persiste en nuestra memoria ancestral como genética.
Desencuentro
Lucas Barroso Rouwet
1’45
Acusmática – 8, 2025.
Estreno Mundial.
En una bruma sintética, un discurso desarticulado que evade la comunicación.
Sábado 5 de abril
15 h. Seminario 2
Esteban Chapela: Reflexiones sobre la espacialización y la escucha dentro del perímetro de parlantes.
Elliot Hernandez: Nuevas perspectivas en la composición electroacústica. Una aproximación al uso de modelos de IA generativa.
Aarón Escobar Castañeda: Escucha de máquina y espacialización sonora en sistemas multicanal e interactivos
Ricardo Cortés: El espacio en la música.
18 h. Concierto 2
(El programa no está en orden de aparición)
Trigonometrías entrelazadas
Esteban Chapela
9’31
Acusmática – 8, 2022.
Se podría decir que la onda sinusoidal es la unidad básica del sonido, pues contiene energía en una sola frecuencia y no existe un movimiento periódico más simple en el universo. Las hipnóticas oscilaciones de un péndulo representan este tipo de fenómeno: la manifestación física de las funciones seno y coseno.
La síntesis aditiva es una técnica que consiste en la construcción de sonidos a partir de la suma de este tipo de ondas. Esta manera de crear la materia prima musical permite al compositor esculpir sus sonidos de forma muy controlada. Siendo un procedimiento que requiere la especificación de muchos parámetros, este énfasis en los detalles establece una relación muy íntima con el sonido, creando cierta profundidad estimulante.
Por otro lado, la modulación de anillo es una estrategia que permite crear sonidos interesantes con cierta facilidad. La implementación digital de la modulación de anillo consiste en la multiplicación de dos señales de audio, en este caso, sonidos generados con síntesis aditiva. Por ello, una buena parte de esta obra está creada a partir de sumas y multiplicaciones de ondas sinusoidales.
Trigonometrías entrelazadas sumerge al público en ambientes electrónicos que muestran el singular sello sónico de la síntesis aditiva y la modulación de anillo, revelando, en cada momento, su carácter explícitamente sintético. Las texturas y gestos que aparecen en la pieza fueron generados con un sintetizador creado en el lenguaje de programación Max. Mediante esta herramienta se grabaron largas improvisaciones que, posteriormente, se estructuraron en una forma fácil de seguir. Esta obra traerá a nuestra mente el teorema de Pitágoras y los péndulos que oscilan, mostrándonos una nueva apreciación por la aritmética básica.
Leviathan
Elliot Hernandez
7’15
Audiovisual – 8, 2024.
Leviathan es una composición electroacústica que ahonda en el concepto de “como es arriba, es abajo”. Este antiguo principio del hermetismo sugiere una profunda interconexión entre los reinos celestiales y terrenales, el microcosmos y el macrocosmos.
Este viaje sonoro explora los paralelismos y reflejos que existen entre los distintos planos de la existencia. La composición invita al oyente a reflexionar sobre la interconexión del universo, resonando con la antigua sabiduría encapsulada en el axioma del hermetismo. Mediante una cuidadosa combinación de texturas, gestos sonoros, grabaciones de campo y diversos tipos de síntesis sonora, Leviathan sirve de meditación sobre la interacción de los opuestos, la naturaleza cíclica de la existencia y las misteriosas fuerzas que unen lo cósmico y lo mundano.
Axioma
Aarón Escobar
10’00
Acusmática – 4, 2025.
Estreno Mundial.
Axioma es una obra electroacústica cuadrafónica que investiga la tensión entre la lógica algorítmica generativa y la emergencia a nivel sonoro, mediante la integración de materiales desarrollados en SuperCollider y la flexibilidad del no input mixer. En esta obra, el rigor de los procesos algorítmicos se contrasta con la imprevisibilidad del circuito analógico en constante retroalimentación, generando texturas sonoras caracterizadas por ritmos regulares y pulsaciones irregulares que convergen en un equilibrio dinámico al borde del caos. La pieza se concibe como un sistema en el que el sonido se auto modula y transforma, ampliando las posibilidades de control e indeterminación. Mediante esta hibridación, se cuestionan los esquemas rígidos de representación sonora y se propone un espacio de posibilidades en el que lo impredecible se inserta como elemento constitutivo de la experiencia musical.
Líneas Invisibles
Ricardo Cortés
10’00
Acusmática – 2, 2018 – 2024.
Estreno Mundial.
Pieza electroacústica modular. Parte de las transformaciones tímbricas de muestras de voz procesadas con la intención de generar distintas trayectorias sonoras en su construcción. Estos procesos generan una sensación de multiplicidad, integrando texturas y líneas de contrapunto con diferentes posibilidades en cada reproducción de la obra. Los samples se detonan en vivo, siguiendo diferentes posibles variaciones en cada iteración, tanto de los procesos como del orden de sus elementos.
Voz: Denise de Ramery
Solaris
Julie Mansion-Vaquié
11’07
Acusmática – 2, 2016.
Estreno en México.
Venerated star of fire
Celestial star of light
When the anger of a God
Spreads the desert…
Solaris
Venerada estrella de fuego
Estrella celestial de luz
Cuando la ira de un Dios
Extienda el desierto …
Solaris.
Sin título
Juan Pampin
15’00
Acusmática – 8, 2025.
Estreno Mundial.
Space, S[acred|ecular]
Fernando Lopez-Lezcano
8’51
Acusmática – 8, 2016.
Estreno en México.
Hagia Sophia en Estambul, Turquía, fue una catedral, una mezquita, un museo secular y recientemente se convirtió de nuevo en una mezquita. Su domo principal tiene una altura de 60 metros, convirtiendo a este edificio en uno de los más grandes exponentes de la arquitectura Bizantina que sobreviven hasta nuestros días. Una simulación digital de este increíble espacio fue creada por el grupo Icons of Sound en CCRMA, Universidad de Stanford, con el propósito de poder escuchar la música creada para Hagia Sophia cientos de años atrás, ya que desde 1936 se prohibió la música o el canto en este espacio. Esta catedral artificial recreada en una computadora es el lugar virtual donde se desarrolla esta pieza. El juego entre los aspectos seculares y sagrados de Hagia Sophia y los sonidos de percusión y vocales, crean una alfombra voladora que nos transporta en el espacio y el tiempo a otro universo sonoro. La pieza fue inicialmente compuesta en el Kubus de ZKM en Karlsruhe, Alemania, en 2014, y subsecuentemente refinada en 2016. La versión original está creada usando Ambisonics de 5to orden y rodea totalmente a la audiencia.
Saturno
Sofía Matus Cancino
10’55
Acusmática – 8, 2025.
Estreno en México.
Saturno es una obra acusmática inspirada en la pintura de Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo. Mediante un algoritmo, el material sonoro es presentado y deconstruido a partir de su señal original.
Umbral V
Alonso Huerta
Aleida Pérez, violín
7’00
Violín + Electrónica – 4, 2025.
Estreno Mundial.
Umbral V es una colección de miniaturas para violín solo y un sintetizador en FM activo. A partir de un sistema de análisis espectral en tiempo real, el violín funge como un operador dentro del sintetizador, resultando en una homogeneización entre el cuerpo instrumental y el cuerpo electrónico. Dentro de la pieza se explora la idea de la emancipación de ambos cuerpos instrumentales en relación al nuevo macro-instrumento. Así mismo, la pieza explora distintas representaciones sobre la saturación, el sobrepasamiento y la distorsión.
La Asunción
Alejandro Heredia
2’45
Acusmática – 8, 2025.
Estreno Mundial.
Viaje Astral
Augusto Zamora Vázquez
3’10
Acusmática – 8, 2025.
Estreno Mundial.
Esta obra consiste en una representación sonora de una ceremonia de peyote. Estas ceremonias suelen tener el propósito de liberar de algún tipo de mal y hacer un viaje introspectivo. En esta pieza, el juego de los cuatro elementos es representado por diversos instrumentos y muestras sonoras: el agua, el tambor como la tierra, un rechinido de madera quemada que representa al fuego y el caracol como el aire. Esta exploración de la sensación sonora se asemeja al preciso momento en que se empieza la ceremonia y tu cuerpo reacciona a la sustancia.
Domingo 6 de abril
15 h. Seminario 3
Alejandro Ramirez: La plenitud a través de lo impredecible. Paisajes sonoros, improvisación y algoritmos.
Cristian Hidalgo: Ecos del pasado, sonidos del futuro. Desafíos y propuestas para la conservación de la música electroacústica.
Pablo Silva: Poética (y política) del sonido especializado. Límites en disolución.
18 h. Concierto 3
(El programa no está en orden de aparición)
Río Sonoro
Alejandro Ramirez
10’00
Supercollider – 8, 2022.
Río sonoro es una improvisación inmersiva generada en tiempo real mediante grabaciones de paisaje sonoro propias, grabaciones con licencia CC0 recopiladas de freesound.org y un programa desarrollado en SuperCollider. Durante esta improvisación se genera un diálogo entre el humano y el software: el programa selecciona aleatoriamente en tiempo real las grabaciones y los fragmentos que serán utilizados, así como las duraciones de las transiciones espectrales entre ellas, mientras que el improvisador elige la espacialización, el volumen y la temática de las grabaciones (según la clasificación propuesta por Murray Schaffer). De esta forma se construye un río sonoro único e irrepetible, un flujo sonoro constante, fuente de sorpresas, recuerdos, sentimientos y sensaciones.
Fisuras del arco
Cristian Hidalgo
7’25
Acusmática – 2, 2024.
Estreno Mundial.
Fisuras del arco explora la fragmentación y transformación del sonido del violín a través de la electroacústica. Construida a partir de samples de violín, la obra descompone y reconfigura su timbre, revelando texturas inesperadas que emergen de la manipulación digital. El título evoca la fragilidad del material sonoro y la tensión del arco sobre las cuerdas, simbolizando la deconstrucción y reconstrucción de su identidad en un nuevo paisaje acústico.
La maquinaría del alba
Pablo Silva
12’00
Acusmática – 8, 2025.
Estreno Mundial.
Tras la cubierta serena de la noche, el discreto rumor de los mecanismos del mundo. Una exploración de sonidos que transitan de lo mecánico a la luz, de lo disperso a lo pleno. El día nos devuelve a las apariencias de lo normal.
Kelp Road
Scott Wilson
Video: Anne Parouty
12’47
Audiovisual – 8, 2017.
Estreno en México.
Los sonidos utilizados en esta pieza se superponen con los de la instalación, y fueron captados en una serie de viajes a Gales, tanto en los alrededores de Barmouth y en Anglesey. Se utilizaron tanto micrófonos convencionales como un conjunto de hidrófonos «envolventes» especialmente desarrollados para captar sonidos por encima del mar y por debajo del agua (a veces simultáneamente). En la obra, este material (a veces de forma alterada) se utiliza para crear una imagen sonora multidimensional del mar y su frontera con la tierra, y de los caminos y pasadizos que se encuentran por debajo y por encima del agua
unapalabranobasta1
Pierre Alexandre Tremblay
15’19
Acusmática – 5.1, 2014 – 2015.
Estreno en México.
nureinwortgenügtnicht1
[asinglewordisnotenough1]
[unseulmotnesuffitpas1]
[unapalabranobasta1]
”Traduttore, traditore”, dice el proverbio italiano. ”Traduire, c’est avoir l’honnêteté de s’en tenir à une imperfection allusive”, matiza el traductor Pierre Leyris. El ciclo de piezas titulado asinglewordisnotenough aborda la imposibilidad de traducir, primero, el texto y, después, el contexto. Los múltiples matices de las palabras y las imágenes, aplastados, perdidos, inasibles.
Es también una reflexión sobre lo inexpresable, sobre cómo la música y el silencio permiten expresar con más potencia, precisión y matiz algunos estados, sentimientos o experiencias. Por lo tanto, esta suite de piezas debe tomarse como diferentes expresiones de una misma impresión, cuyo sentido se multiplica por su pasado común. Explicar, comentar y multiplicar la música por la música, o como Harold Bloom dice tan elegantemente: “El sentido de un poema sólo puede ser otro poema”.
Esta primera pieza es el ”tema” del ciclo en tres movimientos, cada uno reflexionando sobre una aproximación a la acción de definir: por repetición obstinada, por contemplación matizada y por desarrollo lógico.
Towards the Morondanga galaxy
Mario Mary
10’00
Acusmática – 8, 2022.
Estreno en México.
Esta obra está inspirada en la idea de un viaje a una galaxia imaginaria. Los sonidos electroacústicos sugieren una nave espacial e ilustran los diversos eventos que atraviesa en su viaje.
El espacio cósmico y el espacio de la composición electroacústica se funden en este discurso musical, pues toda la obra está concebida de manera orquestal y polifónica mediante la orquestación electroacústica y la polifonía del espacio.
Diez Instantáneas
Antonio Russek
8’08
Acusmática – 8, 2019.
Pieza realizada con el apoyo del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
Se compone de micropiezas acusmáticas que, por su corta extensión, equivalen a una ráfaga de elementos sonoros, constituyen fugaces imágenes de paisajes imaginarios. Fueron realizadas en el estudio del autor con técnicas electroacústicas mixtas y ocho canales de salida en soporte fijo.
BIOMA
Valeria Jonard
5’15
Acusmática – 2, 2010.
Compuesta como un ejercicio de transformación de grabaciones de campo, Bioma es un intento de recrear un paisaje y ecosistema, quizá no terrestre.
Procesión
Hugo Morales Murguia
Audiovisual – 5.1.
Para orquesta, niños caminantes, objetos y cuarteto de percusión.
Esta pieza fue compuesta en colaboración con la Orquesta Infantil de Nurío, una comunidad indígena del estado de Michoacán, México. La obra fue estrenada en marzo de 2019 en el Teatro Morelos de Morelia. Este teatro cuenta con dos balcones, una planta baja que contiene dos grupos de asientos separados por un pasillo y un túnel circular que rodea la planta baja y conduce al escenario. A lo largo de estos espacios y conductos, grupos de niños caminan tocando distintos objetos e instrumentos que van cambiando progresivamente y que rodean al público. Cuatro grupos de niños recorren estos circuitos con linternas en la cabeza y dos grupos están sentados en los balcones. Además, un percusionista se ubica en cada nivel: uno detrás del escenario, uno al fondo de la planta baja y uno en cada balcón.
Así, la pieza está compuesta para una orquesta (o gran ensamble) ubicada en el escenario; seis grupos de 10 niños cada uno, ubicados en diferentes puntos del recinto, dos grupos fijos y cuatro grupos móviles. Más un cuarteto de percusión fijo en cuatro ubicaciones diferentes dentro del recinto.
En esta versión multi-canal de la pieza, más allá de pretender recrear la experiencia físico- espacial de su estreno, se propone una nueva experiencia basada en los elementos, conceptos y materiales sonoros utilizados originalmente.
Intermitencias
Feliza Ruiz
4’06
Acusmática – 8, 2025.
Estreno Mundial.
Intermitencias es una obra que explora la discontinuidad e irregularidad en un discurso musical.
Participantes.
Marianne Teixido
Artista, música y desarrolladora. Maestra en Historia del Arte por la UNAM y estudiante de doctorado en Tecnología Musical (FAM, UNAM). Describe su obra como pensamientos híbridos al vuelo que resultan en investigaciones artísticas. Por medio de la escritura expandida, sonido, código y experimentación, esta artista propone otros modos del saber-hacer para ocupar la tecnología como un espacio de resistencia. Con el código como texto, teje sensaciones, pensamientos, reflexiones y emociones que se ordenan en múltiples capas de granulación y síntesis de -y- con texto.
Se ha presentado en Sanford, Berlín, Barcelona, Madrid, Buenos Aires, La Plata, Bogotá, Cusco, Lima, Manizales, Medellín y Quito. Así como en CMMAS, Lunario del Auditorio Nacional, Antiguo Colegio de San Ildefonso, Museo de Arte Moderno, Ex Teresa Arte Actual, CENART, Ambulante, entre otros recintos dedicados al arte. Actualmente coordina el proyecto de inteligencia artificial transhackfeminista, [R.A.M.] Redes Autónomas de Memoria.
Juan Cáceres Avitia
Originario de la Ciudad de México, comenzó sus estudios de piano en la Facultad de Música de la UNAM. Continuó su formación en Musicología en el Conservatorio Nacional de Música, donde también estudió composición en el Taller de Electroacústica. Además, estudió Análisis Orquestal e Instrumentación con Jorge Torres Sáenz. En 2019 obtuvo una beca para estudiar Musicología en España, a través de los Cursos Universitarios e Internacionales de Música en Compostela.
Ha participado como ponente en el Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez, el Festival Visiones Sonoras del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), en el XI Congreso de la Sociedad Española de Musicología y en la Cátedra Jesús C. Romero 2024 del CENIDIM. Su obra musical se ha presentado en México, Argentina, Estados Unidos, Japón, Uruguay y Canadá, donde obtuvo el tercer lugar en la categoría Latinoamericana del premio Jeux temps / Time to play (2022) de la Comunidad Electroacústica Canadiense (CEC) en colaboración con el CMMAS. Actualmente es el Coordinador de Tecnologías Aplicadas a la Creación Musical del Centro de Experimentación y Producción de Música Contemporánea (Cepromusic).
Nonis Prado Mercado
Cuenta con maestría y doctorado en composición por la UNAM. Interesada primordialmente en la composición de música para medios audiovisuales. Su música se ha presentado en múltiples escenas dentro de la Ciudad de México, así como en diversos festivales y foros fuera de México.
Escribió la música para múltiples cortometrajes, de entre los que destacan Secreto de Jorge Sistos Moreno (XI Festival Internacional de Cine de Morelia), Squee de Magali Reyes (selección oficial Animasivo 2015 y Festival de Cortometraje Universitario UVAQ 2015), Education Across Borders de Manuel Arredondo (finalista del concurso Shining Stars of Europe IV) y Existere de Héctor Calvillo (mejor cortometraje estudiantil en el Tokyo International Short Film Festival y mención honorífica en la misma categoría Munich New Wave Short Film Festival). Seleccionada en 2015 para participar en los Laboratorios de Cine y Creación organizados por Berta Navarro.
Formó parte del proyecto interdisciplinar El Gesto, junto con la investigadora Hayde Lachino y la bailarina Rosario Romero. Participante del proyecto MUXIC, París 2018, como resultado de la colaboración entre la Facultad de Música de la UNAM y la Sorbonne Université.
Ha sido coordinadora, moderadora, curadora y parte del comité organizador de diversos eventos en instituciones como la UNAM, el CENART, el CENIDIM, el CMMAS y la UNAY. Fue jurado de las convocatorias Ecos sonoros y Ecos de agua, organizadas por el CENART en 2021 y 2022, y dictaminadora de artículos para la revista Analítica de la UAM Lerma. Actualmente forma parte del comité editorial de la revista Sonus Litterarum y del equipo editorial de Ediciones Mexicanas de Música.
Se ha desempeñado como docente en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, en el Conservatorio de las Rosas, en las Escuelas de Iniciación Artística del INBA, en la UNAM, en la Universidad Amerike y de forma particular.
Desde 2023 forma parte de la colectiva de mujeres en la música Las montoneras, con quienes conduce el programa de radio Nada Clásicas (Opus 94).
Aidé Aspicit
Historiadora con formación técnica en programación para la animación y los sistemas interactivos. Artista por inspiración y acción comunitaria. Su producción audiovisual e investigación están centradas en el vínculo entre el pasado, el presente y lo interactivo.
Su práctica artística está atravesada por el concepto de lo lúdico, la búsqueda de las narrativas históricas periféricas y la intervención de archivo como fuerza política para inspirar lo comunitario.
Michel Soto
Compositor, artista multimedia y tecnólogo creativo.
Licenciado en Música y Tecnología Artística por la UNAM. Actualmente cursa la Maestría en Diseño, Información y Comunicación por la UAM. Becario del programa “Jóvenes creadores” del FONCA en 2019 y 2022. Se desempeña como desarrollador creativo y programador para la implementación de sistemas interactivos, donde se conjugan elementos sonoros, visuales y lumínicos. Su práctica artística abarca música algorítmica, arte generativo, sistemas inmersivos, inteligencia artificial, la computación creativa y el software de autor. Como docente de código creativo ha impartido clases, cursos, talleres y asesorías en instituciones como CENTRO, UNAM Casa del Lago, Centro de Cultura Digital, Cuna Mx, La Colmena Grace Quintanilla y Tecnológico de México.
André Serre-Milan
Compositor y director artístico que entiende la composición como una forma de leer nuestro mundo contemporáneo en busca de una «etimología humana». Con esta actitud, sus composiciones lo llevan a dialogar con otras culturas y formas de expresión. Las nuevas tecnologías y el diseño de instalaciones forman parte de su instrumentación tanto como la composición para instrumentos tradicionales.
Michel Pascal
Compositor francés que ha escrito piezas de música acústica, instrumental, vocal, electrónica en vivo, teatro musical, instalaciones interactivas y música para aplicaciones audiovisuales. Su estilo puede variar considerablemente de una producción a otra. Fue el último asistente de Jean Etienne Marie, quien le describió como «un apasionado de la investigación sonora en esa franja en la que el sonido y el ruido son tan indistinguibles como ciertos horizontes marinos tomados al amanecer».
Un aspecto fundamental de su trabajo se refiere a la mutación de los instrumentos vinculados a las nuevas tecnologías. Ha colaborado regularmente con el mundo del teatro, el cine y la danza. Se ha esforzado por desarrollar un nuevo tipo de expresividad, trabajando en una variedad de estilos musicales junto a músicos que practican la música escrita y la improvisación.
Mauricio Valdés San Emeterio
Es compositor, curador y desarrollador de sistemas de medios radicado en Liubliana. Su carrera abarca varias disciplinas artísticas, con énfasis en la música acústica, electroacústica y experimental. Sus obras se han presentado en 20 países en festivales, conferencias y simposios. Desde 2020, ha liderado la investigación y el desarrollo de sonido y ha sido curador del estudio de sonido inmersivo en HEKA Art & Science Laboratory en Koper, centrándose en el audio espacial y las conexiones interdisciplinarias entre el arte y la ciencia.
Desde que se instaló en Eslovenia en 2011, ha colaborado con varios festivales internacionales de arte electrónico, música e improvisación. Realiza regularmente talleres, conferencias y charlas, promoviendo los nuevos medios en la música y el arte sonoro. Desde 2022 es comisario del programa musical del festival IZIS, un importante festival de arte de nuevos medios de Eslovenia. En 2024, el Sistema Nacional de Creadores de Arte de México lo reconoció como miembro y el Ministerio de Cultura de Eslovenia lo reconoció como artista autónomo en 2024.
Jorge Martínez Valderrama
Como compositor y artista sonoro, su obra reflexiona sobre diversos fenómenos y conceptos estéticos dentro de la música contemporánea, electroacústica y acusmática. Su práctica artística se enfoca en la escucha y en la reflexión sobre las implicaciones del sonido en diversos entornos y contextos sociales, explorando el registro documental y la ecología acústica.
Ha desarrollado obras acusmáticas, electroacústicas, improvisaciones colectivas e intervenciones sonoras a través de residencias artísticas en Perú, Portugal, el British Museum y Austria, así como en proyectos socioambientales. Sus composiciones han sido presentadas en importantes festivales, galerías y foros internacionales, como el Festival Ecos Urbanos, la UK Mexican Art Gallery (Londres), Ars Electronica (Linz), Audio Rocket (Japón), Transversal Sonora (Colombia), MOXSonic (Missouri), Turn Up (Tucson), Sur Aural (Bolivia), Mantis (Manchester) e In Sonora (Madrid), entre otros.
Se ha desempeñado como compositor, supervisor musical y diseñador sonoro en proyectos de danza, cine, teatro, multimedia, instalación y artes transmediales. Es director y productor musical en Idyllium, una agencia creativa especializada en servicios para artistas.
Gerónimo Robles Zamora
Actualmente cursa el cuarto año de licenciatura en la Escuela Superior de Música.
Durante su trayectoria estudiantil ha participado en diversos talleres, en la composición de un cuarteto de cuerdas para el festival de música de cámara de Aguascalientes 2023 y el taller de composición 2024 del Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, así como en una serie de clases para escritura de percusión, impartidas por el percusionista Aldo Aranda.
Lucas Barroso Rouwet
Estudió piano y creación musical en el Provinciale Institut Kunsthumaniora de Hasselt. Ha cursado diplomados y cursos en arte sonoro, Super Collider y live coding, música de cámara, improvisación y gestión cultural. Ha tomado clases con Carole Chargueron, Jorge Torres y Julio Estrada. Actualmente cursa el cuarto año de Licenciatura en Composición en la Escuela Superior de Música del INBAL en la Cátedra Mauricio García de la Torre.
Desde 2022 se ha desempeñado como ayudante de investigación en el CONAHCYT y es socio fundador y director ejecutivo y financiero de Filarmónica del Lago desde 2023.
Su obra se ha presentado en diversos recintos de la CDMX, Estado de México, Puebla, Michoacán, Limburgo y Brabantia Flamenca.
Esteban Chapela
Estudió composición en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM) en la Ciudad de México y la Maestría en Tecnología Musical en New York University (NYU) en Nueva York, becado por el Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (CONACYT).
Ha trabajado como compositor y diseñador de audio para cine, comerciales de televisión y juegos de video. También ha realizado musicalización de teatro y creado música electroacústica para danza y videoarte. Es maestro en la Facultad de Música de la UNAM, el CIEM y la Academia de Arte de Florencia. Una parte importante de su labor es la programación en Max, lenguaje gráfico de programación con el que desarrolla herramientas para la creación musical y el montaje de instalaciones de arte multimedia.
En sus proyectos musicales ha explorado la mezcla de medios electrónicos con géneros de música popular como el rock, el funk y el hip hop. En la actualidad se dedica principalmente a la composición de música electroacústica, género musical para el cual creó los espectáculos Audiocinema y Perímetro de Parlantes, en busca de generar experiencias auditivas óptimas para los escuchas.
Elliot Hernández
Licenciado en Arte y Comunicación Digitales por la UAM Lerma y Maestro en Música con especialización en Tecnología Musical por la UNAM. Actualmente, es doctorando en el posgrado de Música en la UNAM.
Su trabajo abarca la composición de música electroacústica multicanal, música acusmática, visuales generados por computadora, código creativo, cómputo físico, sonificación y visualización de datos, entre otros.
Como artista digital, se dedica a explorar una amplia gama de herramientas y técnicas de vanguardia para generar obras inmersivas con el uso de nuevas tecnologías. Actualmente, su línea de investigación-creación se basa en el desarrollo e implementación de modelos de inteligencia artificial aplicados a la composición de música electroacústica.
Aarón Arturo Escobar Castañeda
Es investigador, compositor, programador, improvisador y multi-instrumentista. Su práctica e investigación se centran en la creación de sistemas interactivos con aprendizaje y escucha de máquinas, la recreación y análisis de estructuras musicales con redes neuronales recurrentes, los ecosistemas audibles y la investigación de procesos creativos en torno a la inteligencia artificial y el post-humanismo.
Actualmente, se desempeña como profesor de tiempo completo en el Tecnológico de Monterrey, se especializa en la enseñanza de tecnologías musicales, producción sonora y composición de música para medios audiovisuales. Además, se enfoca en la creación de proyectos interactivos y experimentales, integrando elementos de software y hardware para fomentar la exploración sonora y musical entre los estudiantes.
Ha participado en la composición de bandas sonoras para cine y medios digitales, combinando estilos musicales que abarcan el lenguaje orquestal hasta lo experimental. Ha colaborado en diversos proyectos audiovisuales.
Ricardo Cortés
Compositor con una amplia trayectoria en la composición musical para teatro, danza y medios audiovisuales, especializado en música y tecnología con una sólida trayectoria académica. Fue premiado por el Festival de Cine Internacional de Nancy a mejor música por su trabajo en el cortometraje “7 sheep” (2016). Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2013-2017) y residente en instituciones como el Experimental Media and Performing Arts Center del Rensselaer Polytechnic Institute (2012) y Banff Centre for the Arts (2007). Ha participado en proyectos destacados, incluida la pieza inaugural del Memorial del Centro de Cultura Digital “La Estela de Luz” (2012). Ha sido invitado en festivales internacionales, como el Festival Visiones Sonoras (2015) y el Festival Transitio_MX (2012). Actualmente es profesor en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey y director de la Especialidad en Diseño Sonoro de la Universidad CENTRO de Diseño Cine y Televisión.
Alejandro Ramírez
Es licenciado en composición y maestro en tecnología musical por la Facultad de Música de la UNAM. Ha complementado su formación tradicional con cursos en producción de música electrónica, música electroacústica, música para cine, diseño sonoro y mezcla para audiovisuales.
Su principal línea de trabajo es la realización de música original, sonido directo, diseño sonoro y mezcla para el ámbito cinematográfico. En 2017 recibió una nominación a mejor diseño sonoro en el Festival Pantalla de Cristal por su trabajo en el largometraje documental “El Tecolote”, del director Jaime Rogel Román.
También ha incursionado en el diseño sonoro, implementación y música para videojuegos, así como en la creación sonora e improvisación electroacústica para danza contemporánea.
Desde 2020, a partir de su proyecto de maestría, se ha adentrado en la creación sonora con grabaciones de paisaje sonoro, algoritmos, ambisonics y livecoding.
Cristián Hidalgo
Doctor en música (composición) por la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha colaborado en la musicalización y sonorización de diversos proyectos de danza, video, cine, teatro y multimedia. Su trabajo musical se basa en una aproximación a la composición a través de la experimentación sonora y la exploración electroacústica. Sus obras se han estrenado en diversos foros nacionales e internacionales. Fue invitado del encuentro de composición Injuve 2005 en Madrid, España. Recibió el Premio Nacional de Composición para Orquestas Juveniles (2003) y el de la Sociedad de Autores y Compositores de México en la categoría Juvenil (2008). Ha participado como ponente en congresos nacionales e internacionales como Electroacoustic Music Studies (2019), Coloquio Archivística (2020) y Visiones sonoras (2022). Actualmente es director de la Licenciatura en Tecnología y Producción Musical en el Tecnológico de Monterrey, campus Ciudad de México.
Pablo Silva
Estudió la licenciatura en piano en la Escuela Nacional de Música, y el grado de Master of Fine Arts in Composition por el California Institute of the Arts. Desde 1993 forma parte de la planta docente de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, donde fundó el Laboratorio de Informática Musical y Música Electroacústica (LIMME) en el año 2000.
Como parte de su labor académica, ha participado en la creación del Posgrado en Música de la Facultad de Música de la UNAM, en las áreas de tecnología musical y composición. Ha participado asimismo en la realización de festivales, encuentros e intercambios nacionales e internacionales en las áreas de composición y tecnología musical. También ha impartido cursos sobre música electroacústica en el Centro Nacional de las Artes (Cenart), el CMMAS y otras instituciones de México, y ha sido jurado en concursos internacionales de música electroacústica y artes digitales.
Cuenta con obras para combinaciones instrumentales tradicionales y música electroacústica, y ha realizado también música original para cine, teatro y televisión. Éstas han sido programadas en México, Francia, Brasil, Colombia, Venezuela, Argentina, Canadá y EUA.
Scott Wilson
Co director del Teatro de Sonido Electroacústico de Birmingham (BEAST) y profesor en la Universidad de Birmingham (Reino Unido). Desde hace tres décadas ha utilizado su música y arte sonoro para explorar la intersección de prácticas como la composición instrumental y vocal, la grabación de campo, el sonido electroacústico multicanal inmersivo y las creaciones visuales.
Su interés por la colaboración ha dado lugar a una rica producción que incluye obras interculturales, como un palimpsesto musical colaborativo sobre grabaciones clásicas del Qawwali, e interdisciplinares, como la música creada a partir de la sonificación de las colisiones de partículas del Gran Colisionador de Hadrones del CERN. Estas y otras de sus piezas se han presentado en distintos lugares alrededor del mundo.
Anne Parouty
Pierre Alexandre Tremblay
Compositor e intérprete de bajo y dispositivos electrónicos. Ha trabajado en la música popular, práctica el código creativo, la música electroacústica, el jazz contemporáneo, la música mixta, así como la música improvisada.
Fue profesor de composición e improvisación en la Universidad de Huddersfield (Inglaterra, Reino Unido) de 2005 a 2024, cuando se incorporó al equipo del Conservatorio della Svizzera italiana como profesor de investigación en composición.
Mario Mary
Licenciado en Composición en la Universidad Nacional de La Plata, donde además estudió dirección orquestal. Doctor en Estética, Ciencia y Tecnología de las Artes por la Universidad París 8 en Francia. Actualmente es profesor de Composición Electroacústica en la Academia Rainier III del principado de Mónaco y director artístico de los festivales internacionales de música electroacústica FIME y Cervantes Electroacústico.
De 1996 a 2010 enseñó Composición Asistida por Computadoras en la Universidad París 8, donde creó y dirigió el Ciclo de Conciertos de Música por Computadoras (1998-2009). Trabajó como compositor-investigador en el IRCAM: “AudioSculpt Cross-Syntesis by Mario Mary – Manual de síntesis cruzada”. En 2011 creó en Mónaco la bienal “Mónaco Electroacoustique”, que dirigió hasta 2019.
Antonio Russek
Experto en audioacústica, pionero del arte sonoro, productor y fundador del Centro Independiente de Investigación Musical y Multimedia (CIIMM). Su actividad se relaciona con las artes escénicas, participando en la creación de ambientaciones sonoras para museos y galerías, videoarte e instalación, cine, teatro, danza, videodanza, radioarte y accionismo. Realiza esculturas sonoras, así como instrumentos y dispositivos electroacústicos.
Colabora de manera permanente con múltiples artistas fuera del ámbito musical, redefiniendo el rol de la música experimental en nuestro país. Su labor en favor del uso y exploración de la tecnología en el arte se refleja en su propia obra a través de la creación de entornos sonoros inmersivos en espacios cerrados y la proyección de sonido en espacios abiertos utilizando sistemas multicanal.
Valeria Jonard
Licenciada en Composición por el Conservatorio de las Rosas en Morelia, Michoacán, maestra por la Western Michigan University y docente en la Universidad Autónoma de Zacatecas. Acreedora del apoyo de jóvenes creadores FOESCAM en el estado de Michoacán y jóvenes creadores FONCA 2011-2010.
Ha participado en festivales como SPLICE, Visiones Sonoras, Electronic Music Midwest y Electronic Barn Dance, entre otros. Sus piezas han sido tocadas por ensambles como Birds on a Wire, Fonema Consort, Dúo Alcántara-Terrazas, SuperCluster, Cuarteto José White, y Ensamble Liminar.
Desde el 2018 ha coordinado las dos emisiones del Festival Ramificaciones, espacio dedicado a la música contemporánea y con medios electrónicos en Zacatecas. El festival se compone de pláticas, talleres y conciertos.
Hugo Morales Murguia
Compositor, sonólogo y artista sonoro. Su trabajo se enfoca en la creación y el diseño de formas alternativas de generación sonora como parte fundamental del discurso musical. Ya sea por medio de instrumentos tradicionales u objetos rudimentarios, su obra se desarrolla entre la exploración técnica, la notación, la modificación física y el uso experimental de diversas tecnologías. Licenciado en composición por el Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM) en la Ciudad de México, Maestro en Composición por el Real Conservatorio de la Haya, Maestro (con honores) en Sonología por el Instituto de Sonología en los Países Bajos y Doctor en Composición por el Centro para la Práctica de la Música Contemporánea de la Universidad Brunel en Londres, Inglaterra.
Actualmente es profesor de música electrónica en el Real Conservatorio de la Haya y de Diseño Instrumental en la Real Academia de Artes de los Países Bajos.
Feliza Ruiz
Compositora y pianista originaria de la Ciudad de México y formada en la cátedra de José Enrique González Medina y Mauricio García de la Torre de la Escuela Superior de Música
Ganadora del segundo lugar del concurso nacional de composición de la Orquesta Filarmónica de Xalapa 2021. Es miembro fundador y actual secretaria general de Filarmónica del Lago y Coordinadora de Artes Sonoras en Chaneque Creativo Estudio.
Su repertorio de composiciones cuenta con música para solistas, agrupaciones de cámara, coros, orquestas y medios electrónicos. Dentro de sus estrenos nacionales e internacionales se destacan las interpretaciones del Quinteto de Alientos de la Ciudad de México y la Banda Sinfónica de la Universidad de Castilla-La Mancha en Cuenca, España; además de diversos estrenos con solistas y agrupaciones.
Juan Pampin
Es un compositor y artista argentino radicado en Seattle, USA. Actualmente se desempeña como director del Departamento de Artes Digitales y Medios Experimentales (DXARTS) de la Universidad de Washington. Ha recibido un doctorado en composición de la Stanford University y una maestría en informática musical del CNSM de Lyon. Su obra abarca desde la composición instrumental hasta las instalaciones interactivas. Sus composiciones han sido reconocidas internacionalmente y sus recientes colaboraciones con la coreógrafa mexicana Abigail Jara han generado obras transmedia de gran impacto, presentadas en importantes espacios como la UNAM, CENART (CDMX) y el Meany Center for the Performing Arts (Seattle). Su trayectoria se destaca por una constante exploración de los límites entre las artes y la tecnología.
Fernando Lopez-Lezcano
Fernando Lopez-Lezcano eligió el piano como instrumento cuando era muy chico, aunque sus padres hubieran preferido una guitarra. Su padre era ingeniero y filósofo y su madre amaba la biología, la música y las artes. Fernando estudió Música e Ingeniería Electrónica en Buenos Aires, Argentina, y después de trabajar diseñando sistemas de cómputo en tiempo real por casi 10 años (pero siempre haciendo música en sus ratos libres), terminó recalando en CCRMA, Universidad de Stanford, en donde trabaja desde 1993. En su labor creativa intenta mantener un equilibrio caótico entre arte y ciencia. Mezcla computadoras, programación, ingeniería, formas musicales y sonidos en una batidora, y sirve el resultado en conciertos a través de muchos parlantes. Se gana la vida manteniendo sistemas de fuente libre basados en Linux y enseñando, y a veces pretende que todavía puede tocar el piano. Recientemente ha vuelto a sus raíces tocando música electrónica en tiempo real con sintetizadores modulares, que incluyen “El Dinosaurio”, un modular que construyó por su cuenta y desde cero en 1980.
Sofía Matus Cancino
Compositora y artista digital mexicana cuyo trabajo explora la convergencia entre la música visual, el arte sonoro y la composición algorítmica. Matus estudió piano en el Conservatorio de Música del Estado de México (COMEM, 2007-2012). Se graduó con honores tanto de la Licenciatura en Arte Digital (UAEMEX, 2012-2017) como de la Maestría en Tecnología Musical en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM, 2020-2022). Es ex-miembro de la red INTAC (International Art Collaborations, 2015-2018), y facilitadora del colectivo en México. Dentro de INTAC, colaboró con estudiantes y profesores de diversas universidades como TAMK (FIN), OCADu (CAN) y la Universidad de las Artes de Osaka (JP). Su trabajo ha sido presentado en diversos festivales de música contemporánea y arte visual como SEAMUS, NodoCCS, Sound:Frame, Visiones Sonoras, PRISMS, Music by Women Festival, entre otros. Sofía ha estudiado con reconocidos compositores como Rodrigo Sigal, Fernanda Navarro, Hugo Solís, João Pedro Oliveira, y Gabriel Bolaños. Ha sido galardonada con premios de composición por Arizona State University (ASU), el ensamble Bent Frequency Underscore y la Secretaría de Cultura del Estado de México. Actualmente es candidata doctoral y asistente de cátedra en Arizona State University, donde recibió una beca de posgrado presidencial.
Alonso Huerta
Es un compositor y ondista (instrumentista en ondas Martenot) especializado en música electroacústica y música mixta.
Egresado de la Facultad de Música de la UNAM, del Conservatorio de Estrasburgo, Francia (clase de Thomas Bloch y de Christine Ott) y de la Academia Superior de Música de Estrasburgo (clases de Tom Mays, Annette Schlünz y Daniel D’adamo), su música oscila globalmente en torno a sujetos tales como la psicoacústica, el naturalismo sonoro, la música espectral (liminal) y la multiculturalidad musical.
Como compositor ha colaborado con ensambles internacionales tales como Accroche Note y l’Itinéraire. Ha presentado su música en la academia del festival Chigiana en Siena, Italia y en el festival Impuls en Kalbe, Alemania. Como ondista, se presenta regularmente en formaciones de cámara y orquestales tanto para la reproducción del repertorio tradicional del instrumento, como para estrenos. Está continuamente involucrado en la creación de nuevo repertorio para las ondas Martenot.
Recientemente su obra e interés general se ha tornado hacia la saturación y distorsión como modelos tanto sonoros como filosóficos, llevándolo a explorar sus aplicaciones musicales a partir de distintos umbrales posibles.
Aleida Pérez
Es violinista e improvisadora interesada en la música nueva y en formas experimentales como la improvisación libre. Actualmente, colabora con el ensamble Liminar, entre sus más recientes presentaciones se encuentra la residencia con el colectivo noruego Verdensteatret (2023), el concierto Epiciclos dentro del ciclo Diferencial (2022) y La escucha infinita (2022). Aleida es licenciada en violín clásico por la Escuela Superior de Música, INBA. Inició sus estudios musicales en el ciclo básico del Centro Cultural Ollin Yoliztli, y continuó con su formación en la ESM, donde concluyó la licenciatura bajo la cátedra del maestro Cuauhtémoc Rivera. Ha participado en diferentes festivales como el Encuentro Nacional de Violín de la Universidad de Zacatecas, Festival Expresiones Contemporáneas, Aires Nacionales FAM-UNAM y el Festival Internacional de Música de Cámara de la Universidad de Querétaro; se ha presentado en recintos como Auditorio Blas Galindo, Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad, CCU- BUAP, Casa del Lago, Ex-Teresa, Sala Silvestre Revueltas-CCOY. Ha tomado clases magistrales con Jorge Rici, Renata Knific, David Colwell, Trío de la Universidad de Kansas, Erika Dobociewicz, Ron Francois, Ryu Gotto, entre otros. Aleida se encuentra activa en la escena de música experimental de la Ciudad de México participando en diferentes foros independientes y en festivales especializados en diferentes prácticas contemporáneas como Material Art Fair, Index, Art Book Fair, Museo Anahuacalli, Arte Alameda, Galería Kurimanzutto, El Nicho Experimental, Vernacular Institut.
Alejandro Heredia
Compositor, músico y creador visual originario del Estado de México. Fundador y director artístico de Chaneque Estudio Creativo y director artístico de Filarmónica del Lago. Ganador del segundo lugar del Concurso Nacional de Composición de la Orquesta Filarmónica de Xalapa 2020, y acreedor a la Presea Gubernamental Tratados de Teoloyucan 2020 por méritos a la cultura. Egresado de la especialidad de canto en el CEDART Frida Kahlo. Actualmente es estudiante de composición en la Escuela Superior de Música del INBAL en la cátedra de Jorge Torres Sáenz y Carole Chargueron.
Ha tomado clases con Juan Pablo Contreras, Darío Fuentes-Berain, Alberto Carvajal, Vicente Manuel Martínez, José Enrique González, Pierre-Arnaud Le Guerinel y David Serkin Ludwig a través del Curtis Institute of Music.
Su música ha sido interpretada por el Quinteto de Alientos de la CDMX, la Orquesta Filarmónica de Xalapa, la Orquesta Filarmónica de Tabasco, Orquesta Filarmónica Nacional Mexicana y otras orquestas y ensambles de distintos estados del país.
Augusto Zamora Vázquez
con 24 años compositor de la Escuela Superior de Música, actualmente se desarrolla como un artista interdisciplinario y performático, se ha presentado en grandes festivales como son el Festival Internacional de arte y cultura Quimera, Festival Internacional Ozomatli de arte callejero y el Festival del humor y la amistad. Su música ha sido interpretada por la Orquesta de Guitarras de la Ciudad de México y ha aparecido en cortometrajes como El increíble verano de Jesús que ha ganado nombramientos del Festival Internacional de Cine de Morelia.
Julie Mansion-Vaquié
Es profesora en la Universidad de la Costa Azul, especializada en música popular. Se interesa por la recreación escénica, las relaciones entre el sonido y la imagen y la espacialización (XR2C2, PrÉ). Co-dirige el MSc Scoring for Visual Media and Sound Design y es miembro del laboratorio CTELA, IASPM (FR), del LPCM, de las ondes du monde y del Studio Instrumental. Posee un DEM en composición electroacústica (premio SACEM), fue finalista del concurso Klang! 2015 y doble ganadora del concurso Petites Formes 2018. Sus diversas obras (instrumentales, mixtas, audiovisuales, piezas electroacústicas) se programan regularmente en Francia y en el extranjero.
Aarón Arturo Escobar Castañeda
Es investigador, compositor, programador, improvisador y multi-instrumentista. Su práctica e investigación se centra en la creación de sistemas interactivos con aprendizaje y escucha de máquinas, la recreación y análisis de estructuras musicales con redes neuronales recurrentes, la composición modular inspirada en sistemas complejos, los ecosistemas audibles, la síntesis sonora y la investigación de procesos creativos en agentes humanos y más que humanos en torno a la inteligencia artificial y el post-humanismo.
Actualmente, se desempeña como profesor de tiempo completo en el Tecnológico de Monterrey, especializado en la enseñanza de tecnologías musicales, producción sonora y composición de música para medios audiovisuales. Además de su labor docente, se enfoca en la creación de proyectos interactivos y experimentales, integrando elementos de software y hardware para fomentar la exploración sonora y musical entre los estudiantes.
Como parte de su contribución a la comunidad académica y profesional, ha participado en conferencias y talleres sobre la interacción humano-máquina y la inteligencia artificial aplicada a la música, presentando avances en el uso de sistemas inteligentes para la composición musical y el diseño de sonido. Además, ha participado en la composición de bandas sonoras para cine y medios digitales, combinando estilos musicales que abarcan el lenguaje orquestal hasta lo experimental, lo que le ha permitido colaborar en diversos proyectos audiovisuales.
